Entrevista a Krzysztof Penderecki

Entrevista realizada por: Daniel Mateos, Anuska Requena.

¿Con qué solistas ha trabajado más a gusto?

Todo tipo de solistas: Stern, Mutter, Rostropovich, Rampal. Realmente he trabajado con solistas muy buenos, y especialmente valoro a los solistas vocales, que han entendido bien mis piezas (oratorio, etc.).

¿Directores de orquesta que mencionaría en su carrera?

Especialmente Karajan, que fue uno de los primeros que interpretó mi música cuando yo era un joven compositor. También Ormandy, en América. Y por supuesto Zubin Mehta, Maazel, etc.

¿Cuál es el compositor que más ha influido en usted?

Bach, pero por supuesto no escribo música como Bach. En mi escuela los profesores eran muy conservadores y sólo estudiábamos Bach, Beethoven, Haydn, Mozart… de forma que yo escribía por mí mismo música con un lenguaje más actual. La razón de esto es la necesidad de partir de los fundamentos, de forma que sin Bach, Beethoven, etc. no puedes desarrollarte, pues son una base imprescindible.

Empecé con 5 ó 6 años estudiando violín, y más tarde el piano. Yo quería ser violinista en un principio. Empecé tocando Paganini, y acabé tocando a Bach. Bach es el fundamento de todos los compositores, aunque hay muchos compositores destacables en nuestra época: Stravinsky, Bartók, Shostakovich, Messiaen. Aunque mi música no tiene nada que ver con la de Oliver Messiaen, para mí es uno de los compositores más importantes del siglo XX.

¿Qué es la música para usted?

Recuerdo cómo escribía música desde muy temprano. La música es toda mi vida.

Krzysztof Penderecki.

Krzysztof Penderecki.

¿Qué cualidades considera importantes en una obra musical?

Escribiendo una pieza larga, como una sinfonía, la forma es muy importante, junto con la técnica: tienes que conocer orquestación, contrapunto, etc. No se puede escribir una pieza sabiendo sólo armonía. No hay un único elemento, hay muchos.

¿Está de acuerdo con la teoría uniclimática de la pieza musical?

En absoluto; hay múltiples métodos de componer, y quizás le funcionara a Rachmaninoff, pero cada uno usa los suyos propios.

¿Cuál es su punto de vista sobre el lenguaje actual de la música?

No hay unidad de pensamiento: Hay muchos compositores de muchas escuelas de composición, de muchas tradiciones diferentes. En los siglos anteriores había unicidad en la manera de usar el lenguaje. Ahora no. Hay compositores que escriben música minimalista, electrónica, dodecafónica, etc. Hay muchos polos en el mundo de la música en la actualidad.

¿A la hora de componer en qué se inspira?

Todo tipo de inspiraciones: por un ruido, por los niños cantando (como aquí), etc.

Alguien como yo escribiendo música 60 años, se da cuenta que la inspiración proviene del conocimiento más que de algo superficial. Escribir música es un proceso intelectual.

¿No es un proceso emocional?

Sí, también, pero no desde el punto y hora que tenemos que escribir todos los días música. No se puede buscar la inspiración a diario, es cuestión de técnica.

Si uno sabe escribir, la inspiración viene automáticamente.

¿Después de usar lenguajes avanzados, por qué siente la necesidad de volver a usar otros lenguajes más antiguos en sus últimas piezas, como en “Credo”?

Porque me gusta la variedad, no quiero escribir en un único estilo. Este tipo de música que yo escribía fue muy importante en el desarrollo del lenguaje en los años 50 y principio de los 60; todos queríamos crear algo nuevo. Fue un movimiento común en pintores y otras artes (Cubismo, etc.).

Podría darte el mejor ejemplo con Stravinsky: su música primera era muy avanzada para su época, pero a partir de cierto momento, escribió otro tipo de música con otros lenguajes.

Vivimos en un tiempo en que todo va muy deprisa. Antes existía la necesidad de innovar, en los 50. Han pasado 50 años, y ahora podemos buscar cosas nuevas sin la necesidad de ceñirnos a lenguajes radicales, sino que podemos inspirarnos en tiempos anteriores: volver atrás para crear algo nuevo.

¿Para un compositor joven que quiera ser director de orquesta, qué recomendaría?

Necesita conocer mucha música. También estudiar dirección de orquesta, pero no es suficiente. Lo verdaderamente necesario es la experiencia interpretando música. Cuando escribía música para películas aprendí mucho. Sólo estudié dos años dirección en el conservatorio, luego abandoné la dirección porque quería ser sólo un compositor; pero tenía que dirigir la música que componía para películas. Por tanto, la experiencia es lo más importante, porque no se puede aprender a dirigir simplemente reduciendo al piano.

Aunque Viena tiene mucha tradición, Helsinki es mi opinión el mejor sitio, ya que he visto muy buenos directores de allí.

¿Qué sinfonía considera “modelo”?

Las primeras de Haydn, las de Beethoven, Bruckner y Schostakovich. Sin embargo, no se puede aprender demasiado de Brahms, aunque es un fantástico compositor y sus sinfonías suenan bien.

Los mejores compositores para orquesta que destacaría en mi opinión: Berlioz, Chaikowsky, Prokofiev, Shostakovich.

¿Cómo se enfrenta a una partitura orquestal?

Lo leo como si fuera un libro. Tengo tanta experiencia en tantos años, que al ver la partitura se me representa la música. Es sólo cuestión de experiencia.

¿Arte por el arte o arte con un fin?

Soy alérgico a esto… cuando era joven, había una presión para escribir música comprometida con la sociedad. Sin embargo, yo ahora escribo música para mí, simplemente, no me preocupa nada más.

Escribí música comprometida en relación a la guerra, a las víctimas de Hiroshima… porque la música es un tipo de mensaje, pero viviendo en una sociedad democrática no es necesario este compromiso.

Ahora prefiero escribir música que no tenga nada que ver con la política o la sociedad.

¿Quién es el intérprete polaco más relevante en su opinión?
Krystian Zimerman.

Gracias por todo, con esta entrevista nos demuestra que no sólo hemos de recordar al compositor, sino también al hombre.

Publicado el junio 7, 2014 en Entrevistas y etiquetado en , , , . Guarda el enlace permanente. Deja un comentario.

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